Tous les articles par Marie-Catherine Chevrier

Balade artistique à Sète

Fragment de l’Immaculée Conception © DR

Certains ou certaines partent à l’autre bout du monde pour voir du pays. Expédition onéreuse et pas forcément réussie. Il est si simple d’arriver à Sète par le train, la gare garde encore les traces du festival de photos Images singulières, d’enjamber le canal qui la longe et d’entrer en terra incognita. Je vous invite à une balade en trois actes dans les rues de Sète.

La première nous emmènera au musée Paul Valéry, d’inspiration Le Corbusienne, enseveli dans la verdure, accroché au Mont Saint-Clair et surplombant le cimetière marin où reposent Paul Valéry et Jean Villar. L’exposition temporaire y est consacrée à un chef d’œuvre du Greco « L’Immaculée Conception », œuvre centrale du triptyque de la chapelle Oballe de Tolède.

L’archipel Di Rosa

La seconde nous entraînera au bord des canaux, face au palais consulaire, drôlatique témoin de la richesse de Sète dans les années 20, pour visiter le MIAM, Musée International des Arts Modestes, et son exposition conçue par Hervé Di Rosa, « En toute modestie, l’archipel Di Rosa ». Le peintre, créateur et concepteur du musée, a invité ses amis pour qu’ils dessinent avec lui sa cartographie du monde artistique et humaine.

Un ballon sur la ville © MN

Le troisième acte sera le trait d’union entre les anciens et les modernes, une visite non exhaustive du MaCO, le musée à ciel ouvert de Sète. Poésie, humour, beauté ou caricature se déclinent à tous les angles de rue et à tous les étages.

L’Immaculée Conception du Greco à Sète

En toute modestie/L’archipel Di Rosa

MaCO : la culture au quotidien

L’Immaculée Conception du Greco à Sète

Vierge sous la lumière de la colombe © DR

L’œuvre du Greco, L’Immaculée Conception de la Chapelle Oballe, prêtée par le musée Santa Cruz de Tolède, est visible au musée Paul Valéry.

Cette exposition est exceptionnelle à plus d’un titre ; l’œuvre est en elle-même remarquable, mais la scénographie qui l’entoure l’est tout autant. Cette Immaculée Conception est l’œuvre ultime du peintre. Il meurt avant de l’avoir vu accrochée dans la chapelle Oballe à Tolède. Le parti-pris de la conservatrice du musée Maïté Vallés-Bled est radical : une œuvre, une exposition. Grâce à cette innovation, on peut goûter, déguster, décortiquer le tableau, sans la nuisance de la foule et de la promiscuité. Confortablement installé dans de profondes banquettes blanches, on peut regarder de près, de loin, d’un côté, de l’autre, aller, venir et revenir sans contrainte. Quatre films éclairent l’œuvre, le premier reprend la vie du Greco, le second met le tableau dans son contexte historique, le troisième analyse l’œuvre en tant que telle et le quatrième souligne l’influence du Greco sur les artistes contemporains, après un oubli de quasiment deux siècles.

Domenikos Theotokopoulos, dit Le Greco, est né en Crète en 1541. Formé à la technique des icônes byzantines, très jeune il s’ouvre à d’autres manières. En 1566, il part pour Venise, étudie dans l’atelier du Titien, suit l’enseignement du Tintoret. Chez le premier, il trouve une nouvelle conception du portrait, chez le second il découvre la notion de l’espace et la disposition des personnages à l’Occidentale.

Puis départ pour Rome, où il s’installe au Palais Farnèse à l’invitation de son propriétaire. Il y côtoie les peintres maniéristes Sermoneta, Zuccari et Muziano.

En 1576, fort de ce bagage artistique, Greco quitte l’Italie, pour l’Espagne, Madrid, puis Tolède en 1577. Il y vivra trente sept ans. Il y meurt le 7 avril 1614.

L’Assomption © DR

Tolède, à cette époque-là, est le centre de la vie artistique, intellectuelle et religieuse de l’Espagne. C’est aussi l’apogée de la contre-réforme, avec ses interdits et ses peintures édifiantes à l’usage du peuple. Greco se consacre ainsi quasi exclusivement à la peinture religieuse, délaissant la peinture profane, avec une exception pour les portraits. En revanche, ses proches et son entourage lui servent de modèles. Dans « L’Enterrement du Comte d’Orgaz », réalisé en 1586 pour l’église San Tome, il peint son fils, Jorge Manuel, né en 1578. Il vit au gré des commandes de l’église, menant grand train. Il mourra ruiné.

Pour revenir à cette « Immaculée Conception » de la Chapelle Oballe, il faut dire un mot de Doña Isabel de Oballe, la bienfaitrice à l’origine de l’œuvre. Elle nait à Tolède au début du 16e siècle, elle émigre très jeune, en 1530, au Pérou, se marie une première fois, devient veuve, puis se remarie. Elle rentre en Espagne, à Tolède sa ville natale, et lègue par testament la somme nécessaire pour ériger une chapelle consacrée à l’Immaculée Conception, dans l’église San Vicente.

La décoration de la chapelle est confiée à un peintre génois Alessandro Semini qui meurt en 1607. C’est Greco qui va reprendre le projet. Il conçoit un triptyque, Saint Pierre et Saint Idefonlso encadrant la pièce maîtresse, une huile sur toile de 3m47 de haut sur 1m74 de large. Pour décorer la coupole, une Visitation. Aujourd’hui, l’Immaculée conception est visible au musée Santa Cruz de Tolède.

Vue de Tolède © DR

Grâce aux dimensions très particulières du tableau, l’ascension vertigineuse de cette vierge a entrainé une confusion durable, laissant croire que le sujet était une Assomption. La verticalité y est nuancée par l’alternance des personnages et les jeux d’ombre et de lumière. La base du tableau est une vue de la ville de Tolède, faiblement éclairée par deux lunes, cachées à demi l’une par l’ange porteur, l’autre par un nuage. Cet ange à la robe jaune safran et aux ailes déployées semble porter les chérubins et la vierge Marie. Ses pieds reposent sur le seul élément concret et terrestre de la toile, un bouquet de roses et de lys, aux couleurs franches. La vierge est vêtue de moire bleu pastel et rose, en rappel de la tunique de l’ange musicien qui occupe le haut du tableau à gauche en répons à l’ange porteur. Un Saint Esprit, sous la forme d’une colombe, symbolise le soleil et illumine le haut du tableau. Rien de sensuel dans cette composition rigoureuse qui a pour fonction de convaincre le plus grand nombre de la véracité de l‘Immaculée Conception, la contre-réforme militant ardemment pour que cette croyance devienne un dogme. Le débat fait rage. C’est seulement plus de deux siècles plus tard, le 8 décembre 1854, que sera décrété, par bulle papale, le dogme de l’Immaculée Conception. Cette toile est la réponse mystique du peintre.

Un ange musicien © DR

Point n’empêche que cette controverse a inspiré à Gréco un de ses chefs-d’œuvre, considéré comme son testament artistique, et qu’il est visible à Sète, au musée Paul Valéry, dans des conditions optimum.

Ouvert tous les jours sauf le lundi
http://museepaulvalery-sete.fr/

En toute modestie/L’archipel Di Rosa

Around the Eye in One Day-2013, Cables de téléphone tressés
© Pierre Schwartz

Ce « En toute modestie/L’archipel Di Rosa » invite à l’humilité. Loin des proclamations et autres artistes auto-proclamés, cette exposition est une immersion dans un monde sans repère.

Grâce à un polycopié remis à l’entrée, on peut suivre l’itinéraire de l’exposition et identifier ainsi les peintres, sculpteurs, ou vidéastes. Rien sur leur histoire. Ils sont là. Les connus, les inconnus, tous sur le même plan. Un trait d’union, le regard que Di Rosa porte sur les créateurs qui composent son univers.

Otobong Nkanga
In Pursuit of Bling : The Transformation
2014 – Tapisserie © DR

Cette exposition oblige à reconsidérer les idées reçues sur la notoriété et la reconnaissance. Qu’on ne connaisse pas telle ou tel artiste n’a finalement aucune espèce d’importance. Ils vous évoquent quelque chose ou pas. Cette visite du MIAM se transforme en une excursion indolente, énergique, rageuse, sensuelle ou émerveillée, toutes les émotions de l’âme humaine étant convoquées pour ce grand chambardement artistique qu’est la visite de cet archipel sans frontières.

Herve Di Rosa – Marion Auburtin & Benjamin L.Aman © Ph. Pierre Schwartz

On ralentit, on presse le pas, on s’arrête, on médite, on s’émeut et on découvre des œuvres et des artistes. Libre au visiteur de chercher des informations ou pas. Cette Marion Auburtin, dont j’ignorais même le nom, a attiré mon regard avec ses poupées-boîtes à musique situées à l’ombre d’une des rares œuvres exposées de Hervé di Rosa. Ce dernier avait poussé, jusqu’à présent, la modestie à refuser d’être exposé dans son musée, faisant mentir l’adage « A tout seigneur, tout honneur. » La commissaire de l’exposition Julie Crenn a tenu à l’inclure dans ce pêle-mêle artistique. Et c’est tant mieux.

Relicario-1993-Epreuve chromogène contrecollée sur dibond © Pilar Albarracín

Cette exposition fait la part belle aux femmes. J’en ai retenu trois, Marion Auburtin et ses céramiques noires et blanches, Otobong Nkanga, la Nigériane, et ses dessins fragiles et colorés, ici une tapisserie, et ma préférée Pilar Albarracin et ses façons foutraques de vivre la vie. Elle s’était représentée vêtue en torero, juchée sur des talons aiguilles, portant une cocotte minute. Aujourd’hui, elle offre un torse de matador, arborant un pendentif mêlant une vierge quelconque et un portrait de femme qui semble être son autoportrait.

Cet archipel est à visiter sans plus attendre.

Ouvert tous les jours
https://www.miam.org/index.htm

MaCO : la culture au quotidien

Comme une estampe japonaise © MN

KLive Festival, ou festival des cultures urbaines, invite chaque année, pendant dix jours, des artistes de street art. De fil en aiguille, ou plutôt de bombes en pinceaux, les murs de Sète se sont couverts de fresques colorées. Le moindre mur aveugle est livré à l’inspiration du graffeur. Depuis dix ans, se constitue ainsi la collection du MaCO, Musée à ciel ouvert.

 

Le safari sétois © MN

 

Quai du Général Durand, c’est un pauvre hâve qui tire une carriole pleine de touristes, habillés comme pour un safari, équipés de jumelles et appareils photo. Mais posée délicatement sur son dos, « une ange », plantureuse, coquine et légère, lui insuffle la force de tirer.

Bonhomme sur monstre à deux bouches © MN

Dans le quartier haut, rue des Députés, « Le Penseur de Sète » jette un œil désabusé sur la ville. Grande rue Haute, une gigantesque estampe japonaise, plus bleue que le ciel sétois, illumine un carrefour. Un peu plus bas, un ballon rouge déverse ses cœurs sur la cité. Place de la Mairie, M. Chat donne ses consignes. Des animaux fantasmagoriques aux couleurs rutilantes se dressent sur leurs ergots à tous les coins de rue, des fleurs multicolores parsèment les carrefours. Dans certains lieux, la peinture réaliste reprend ses droits. Là c’est un gavroche à gapette qui tente de fracturer une chaîne à l’aide d’une tenaille. Ailleurs, c’est un couple qui danse tendrement enlacé.

Le chapardeur © MN

Certaines fresques sont signées, d’autres pas. Voici pêle-mêle les héros de cette saga, individus ou collectifs de graffeurs, qui embellissent la ville et déversent sur elle de la poésie à l’état pur : ALEXONE, PABLITO ZAGO, CLAIRE STREETART, C215, CHANOIR, EPSYLON POINT, M.CHAT, POCH, L‘ATLAS. Liste non exhaustive bien sûr.

http://www.tourisme-sete.com/sete-a-son-maco-musee-a-ciel-ouvert-sete.html

Rodin au Grand Palais : coup de gueule

Affiche de l’exposition

De passage à Paris, fan de Rodin, je me précipite au Grand-Palais voir l’Exposition du Centenaire. Quelle déception ! Première question, pourquoi avoir délocalisé le musée Rodin aux Champs Elysées, dans la mesure où 80 % des œuvres présentées viennent du dit musée. Il eut été plus simple et moins onéreux d’investir les jardins de la rue de Varenne.

Cette folie des expositions où l’on se donne un badigeon de culture pour la modique somme de 12, 13, 15 euros, voir plus, commence à me lasser. Il faut choisir son créneau plusieurs jours avant, sans préjuger de l’envie du moment. Et ces expos remplissages et hagiographiques n’apportent en fait pas grand chose. Prenons celle qui nous occupe, elle manque singulièrement de chair et d’humanité. Le non dit de cette exposition est que Rodin est un génie, ce qui est une évidence, travaillant seul, en dehors de tout contexte historique, développant une énergie prométhéenne. Comment peut-on faire l’impasse sur Rose, sa mégère bien aimée, sur Camille Claudel, son aimante/aidante passionnée, sur son atelier pléthorique qui voyaient des dizaines de petites mains à l’œuvre. Rien de tout ça. L’infiniment grand et l’infiniment petit lui sont attribués. Camille Claudel y subit une trahison ultime. Elle n’apparait qu’aux deux tiers de l’exposition avec une vieille femme en plâtre, au détour d’une vitrine, très explicite de sa manière. Longiligne, les attaches fines, les seins pendants, cette vieillarde est impressionnante.

En revanche, il est fait référence aux suiveurs de Rodin, de façon très tirée par les cheveux. Zadkine et Giacometti, pourtant très éloignés du Maître ont la part belle. La filiation avec l’Allemand Wilhelm Lehmbruck, qui fut son élève, est plus évidente. Même source d’inspiration, même exécution dans le grandiose et dans la masse.

La Venus de Milo © Kamizole.blog.lemonde.fr

Le fil conducteur semble être le corps tronqué, « qui raconte une histoire. » Il serait l’initiateur de cette manière. La Victoire de Samothrace, magnifique corps tronqué s’il en est, résidente du Louvre depuis 1883, La Venus de Milo, la sensualité faite femme, bien que manchote, qui y a pris ses quartiers éternels en 1821, n’ont pas échappé à Auguste Rodin. Jeune, il y faisait ses gammes. Pour enrichir ses connaissances, il entreprit un voyage en Italie, afin de s’immerger dans la culture antique et classique. Il ne pouvait qu’en arriver à la conclusion qu’un fragment peut dire tout aussi bien qu’un corps entier, se mettant ainsi  dans le sillon de Michel-Ange.

L’accent est mis sur Antoine Bourdelle, son élève pendant dix sept ans, nettement plus académique que le maître, et Aristide Maillol, le sculpteur des femmes callipyges. Ce dernier était un ami de Bourdelle, et Auguste Rodin l’un de ses admirateurs. Là encore on s’interroge. Ils sont là. C’est tout. Comme une évidence.

Le contexte historique est gommé. D’un personnage génial, haut en couleur, célèbre pour ses colères et ses coups de gueule, capable de mettre de l’eau dans son vin pour obtenir un contrat, habile négociateur et négociant, il ne reste rien. Auguste Rodin devient un personnage lisse, sans vie, sans passé, sans heurts et malheurs.

Le plus étonnant est que les concepteurs de l’exposition sont des conceptrices ; elles ont fait une exposition d’hommes pour les hommes, sans imagination.